Hyd é a prova de que a música pop pode ser uma forma de cuidado

Estou conversando por vídeo com o músico Hayden Dunham quando, no meio de uma frase, um vidro se estilhaça, aparentemente espontaneamente. Dunham não é faseado. Um copo acabou de quebrar, eles me dizem com naturalidade. É muito emocionante – meio bonito também, eles continuam, como se estivessem anotando a energia da sala para si mesmos em algum bloco de notas mental invisível. Então eles continuam exatamente de onde pararam, descrevendo o significado de sua música Sem sombra e os tipos de conexões que podemos encontrar na escuridão total.

Energias, espaços, materiais, vibrações - tudo isso é parte integrante do trabalho de Dunham, que une música, performance, arte visual e muito mais. Por quase uma hora, conversamos sobre tudo, desde como os polímeros sintéticos ajudam a autoexpressão humana até seu amor pela comunicação não verbal, e passei a apreciar a perspectiva não convencional de Dunham sobre quase tudo. Para eles, a energia de uma sala ou as propriedades físicas de uma substância são todos elementos interconectados de um projeto de arte maior, que promove o cuidado com o indivíduo para criar uma mudança social abrangente.

Isso faz mais sentido quando se considera sua carreira até o momento; Dunham é talvez mais conhecido como o avatar ao vivo do projeto de música e arte conhecido como QT , que eles co-criaram com o chefe da gravadora PC Music A.G. Cook e o falecido gênio da produção SOFIA . A trilha singular do colaborador, Oi QT tornou-se um ponto central da explosão do hiperpop do início ao meio do ano, que continua em ritmo acelerado.

Hoje em dia, Dunham cria um electropop exuberante e maximalista sob o nome de Hyd, e está lançando um EP auto-intitulado hoje, 5 de novembro, que é tão sonoramente aventureiro quanto seu trabalho anterior.

Produzido por Cook, a superestrela do pop alternativo Caroline Polachek e o colaborador de Charli XCX umru, Hyd está repleto de sons que unem os reinos naturais e artificiais. Em Skin to Skin, uma batida barulhenta, esmagada e pop, você ouvirá uma respiração pesada ao lado da rotação de um motor de carro e vocais de Dunham que quase soam como ASMR, provocando uma reação incrivelmente tátil. Em outros lugares, o EP cria momentos ciborgues com um solo de guitarra inspirado em Prince, e em The One, um autotune de outro mundo transforma as letras de Dunham em uma melodia cacofônica.

Em um mundo onde muitos de nós ficam desorientados em um canal de vento de turbulência, como Dunham coloca, a música de Hyd encoraja os ouvintes a se firmarem em sua conexão física com o mundo, entenderem a si mesmos em um sentido psíquico e usarem suas comunidades e autoconhecimento para reconstruir nossa sociedade.

Abaixo, antes do lançamento de Hyd , Dunham conversou com eles. sobre o anseio queer, trabalhando com um físico em seu show ao vivo e seu EP de estreia.

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Eva Fowler

Qual você acha que é o fio condutor do seu EP?

O EP é um ecossistema que realmente apoia a incorporação, aceitação e ação. Começando com No Shadow, o EP passa por uma prática de corporeidade. Esta faixa é um lembrete de que estamos todos conectados através de sistemas que estão ao nosso redor, como o sol e a lua. É sobre a prática de voltar ao meu corpo, a um lugar de conexão. Isso se move para Skin to Skin, que é um momento muito visceral no carro, estamos pilotando. Quando ouço, sinto meu corpo imediatamente. Quando eu canto The Look on Your Face, eu sinto isso no fundo de mim. Muito dessa música para mim é sobre aceitar a perda, deixar ir e confiar. Finalmente, The One é uma chamada e é tudo sobre agência. Você é o único a mudar os sistemas que herdamos. Ninguém mais vai fazer isso. Você temos que derrubá-lo, reconstruí-lo, movê-lo em outra direção.

Quais são os sistemas desatualizados que você fala em destruir? Como é a reconstrução para você?

O que está se afastando é da dissociação, sentindo-se desconectado. Muito sobre este tempo em que vivemos tem sido a extraordinária quantidade de informação e sentir-se realmente desorientado em um canal de vento de turbulência. O que a reconstrução parece para mim é a encarnação e o que a encarnação parece estar conectado a si mesmo e também ao seu ecossistema. É uma sensação de ser apoiado e segurado. É ouvir, não falar. Tanta informação é sentida e armazenada dentro de nossos corpos. Eu realmente acredito em trabalhar em uma escala micro para ter um impacto macro.

No Skin to Skin você mistura sons pop exagerados sintetizados com momentos orgânicos táteis do ASMR. Você poderia falar sobre isso?

Acho que existe uma relação entre a natureza e o mundo sintético que se integra. Silicone, colágeno e qualquer um desses novos materiais desenvolvidos para nos ajudar a ser mais incorporados fazem parte do mesmo sistema. Pele a Pele Escrevi com Caroline Polachek. Nos conhecemos desde os 17 anos. Quando saímos, é como ir ao rodeio. É um momento difícil de pilotagem. Caroline e eu temos abordagens realmente diferentes para a respiração. Suas cordas vocais são tão específicas e especiais na maneira como trabalham com o ar. Eu acho que essas duas coisas colidiram nessa música e é isso que você ouve.

Já que estamos no assunto, você pode se aprofundar no significado de Skin to Skin?

A faixa é sobre anseio. É muito sobre quais são os termos para intimidade e proximidade em um ecossistema queer de cuidados. Eu saí quando tinha 15 anos no Texas. Eu fui realmente envolvido e criado por anciões queer, que me aceitaram e realmente me fortaleceram, me fortaleceram. Há uma letra você pode derreter esse gelo? Essa é uma pergunta muito profunda que as pessoas próximas a mim fazem porque posso ser meio difícil de acessar, até mesmo para mim mesma. Está ligado a uma questão maior: o que cada um de nós precisa para se sentir ajudado aqui? É um terreno acidentado que estamos todos navegando lado a lado. Eu realmente queria que Skin to Skin fosse um suporte para fazer seus próprios termos neste mundo para que possamos fazer um novo mundo juntos.

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Seu EP conecta uma visão futurista através do som e a humanidade através das palavras. Posso ouvi-lo especialmente em The Look on Your Face, com seus temas de tristeza e aceitação. Você poderia falar sobre isso?

Para mim, The Look on Your Face é sobre rejeição, que é algo que está tão enredado em todas as nossas experiências de queerness. Onde eu cresci não havia espaço para mim, mesmo apenas existir era inerentemente conflituoso. A música também é sobre perda, aceitação e tentar encontrar uma maneira de seguir em frente, sem conseguir se conectar, entender e assimilar. Eu sempre fui neurodivergente, então a assimilação era algo que me pediram muito para fazer. Eu não faço mais isso.

Não podemos falar sobre o futuro sem reconhecer o passado. O que é tão incrível sobre a história queer é que muito de onde estamos agora, nós herdamos por causa de outras pessoas que realmente confrontaram os sistemas e os destruíram. É realmente uma questão de como você aborda um sistema e o muda? Para mim, corporificação, empatia e novos sistemas de cuidado são o caminho.

Eu sempre fui neurodivergente, então a assimilação era algo que me pediram muito para fazer. Eu não faço mais isso.

Você poderia falar sobre trabalhar com o produtor A.G. Cook?

Estou pensando no momento em que escrevi The Look on Your Face with A.G. Nós dois nos comunicamos não verbalmente e passamos muito tempo sentados em silêncio juntos, ouvindo um ao outro de novas maneiras relacionadas a sentimentos, não palavras. Mas então eu direi: 'Vamos fênix, o que significa transformar agora. Precisamos trazer fogo e água para que das cinzas possamos transcender esse espaço em que estamos. Quando um incêndio atinge uma floresta e tudo vira cinzas, as sementes são incorporadas a essas cinzas como informações para o crescimento do próximo jardim. É aí que este EP vive.

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Existe uma conexão entre sua arte visual e sua música?

Para mim, está tudo conectado. Fiquei muito apaixonado pela música pop porque você pode consolidar ideias muito complexas em uma paisagem sonora de três minutos que muda a forma como alguém se sente. Eu ouço música para mudar minha frequência energética. Eu uso a música como um catalisador. É tudo material para mim. Música é um material, silicone é outro, vidro é outro e meu corpo é outro. Tudo isso está conectado e, em última análise, estou realmente interessado em integrá-los todos.

Como seu projeto com A.G. Cook e Sophie, QT influenciou a música que você faz agora? Existe uma linha de passagem?

QT é uma frequência energética e um material de comunicação. Sou muito grata por ter estado nos tipos de sistemas de atendimento em que eu estava naquela época. Eu só vivia de uma maneira muito específica naquela época. Eu tinha cinco nomes diferentes e tantas maneiras diferentes de ser e acho que estava realmente interessado em empurrar o que significa estar em um corpo e o corpo como detentor de Ideias. É difícil para mim porque não posso falar sobre QT sem falar sobre meu relacionamento com Sophie, sobre o qual não me sinto pronto para falar. É desafiador porque tem muito a ver com a frequência do amor que cuidou profundamente de mim.

É tudo material para mim. Música é um material, silicone é outro, vidro é outro e meu corpo é outro.

Você escreveu No Shadow durante uma época em que perdeu a visão. O que você aprendeu nesse período sobre você e os outros?

Quando fiquei pela primeira vez na escuridão total, fiquei com muito medo porque não conseguia cuidar de mim mesma. Foi um grande período de adaptação para ouvir de forma diferente e enfrentar o medo. Todos os meus ex foram para o meu estúdio e todos se coordenaram juntos, eles se revezaram cozinhando e fazendo tudo para mim. É o mais amado, cuidado e mantido que já senti. Foi realmente uma prova de ecossistemas queer de cuidado. Foi uma época inacreditável.

Quando No Shadow foi escrito, minha visão estava começando a voltar, mas só voltava por 15 minutos por dia. A.G. e Caroline, que escreveram a música comigo, estávamos todos no mesmo estúdio em Londres e eu tinha que encher os olhos a cada duas horas. Eu estava morando na casa do A.G. e todo mundo estava cuidando de mim e eu tive uma ideia para a música. O processo de cantar envolvia muito ouvir e segurar as letras na boca, o que era diferente. Foi uma experiência realmente inacreditável e também uma que parecia conectiva. Foi um presente incrível para mim.

Qual é a sua filosofia sobre o desempenho? O que você quer nos mostrar?

Meu terreno favorito para trabalhar é o domínio da performance porque é tão experiencial e o impacto é sentido tão profundamente. Atuar envolve criar uma frequência com meu corpo, movimento, cheiro e som. A performance mais recente que fiz com esse material foi em Nova York. Era muito alto em um prédio que eu estava amarrado e suspenso enquanto eu me sentava na beirada cantando. Eu senti como se estivesse cantando do fundo do chão, para cima. Em vez de mover o ar da minha cabeça ou dos meus pulmões, ele vinha das profundezas da Terra.

Eu tenho trabalhado com um físico chamado Isaac Cohen para trabalhar em elementos do show ao vivo. Para este EP muitas das performances serão em composições minerais realmente específicas. Em Death Valley, em um jardim em Londres, em campos de lava, em locais que são informados pela música. Eu quero que seja localizado em um sentimento, versus um conceito. Essa é realmente a questão: como você pode criar algo efêmero que esteja fundamentado neste plano terreno que pareça expansivo, selvagem e emocional?

Esta conversa foi editada por questões de duração e clareza.